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Peliculas de Friedrich Wilhelm Murnau
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Filmografía

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El Drácula de Bram Stoker inspiró una de las películas mudas más sobrecogedoras. El material de base y el medio expresivo parecen hechos el uno para el otro. La novela de Stoker, escrita en gran parte en forma epistolar, tiene pocos diálogos tradicionales y abunda en descripciones, una combinación perfecta para la narrativa eminentemente visual de las películas mudas. Así, esta historia sobre el eterno conflicto entre la luz y las tinieblas se adapta perfectamente a un formato que se basa casi por completo en la interacción de la luz y la oscuridad.

El director F. W. Murnau ya se había erigido como estrella del movimiento expresionista alemán cuando decidió adaptar la novela de Stoker, rebautizada Nosferatu después de recibir amenazas legales por parte de los herederos de Stoker. De hecho, la película terminada se libró por los pelos de una orden judicial que decretaba la destrucción de todas las copias, pero al final la novela de Stoker se alteró muy poco, salvo los nombres de los personajes, y el éxito de Nosferatu provocó docenas de adaptaciones posteriores de Drácula (la mayoría aprobadas oficialmente). Sin embargo, Nosferatu, incluso después de tantos años, se aleja de casi todos los filmes sobre Drácula. Una diferencia fundamental es la impresionante presencia de Max Schreck, cuyo apellido significa "miedo". Schreck encarna al vampiro del título con una sencillez casi salvaje. Su criatura de la noche no se distingue mucho de las ratas que tiene bajo su mando, y se lanza instintivamente hacia cualquier indicio de sangre con un ansia apenas disimulada.

Esto explica el terror de Hutter (Gustav von Wangenheim), que ha viajado al castillo aislado del conde Orlok (Schreck), enclavado en lo alto de los Cárpatos, para ayudar al extraño individuo a solucionar algunos asuntos legales. La mera mención de Orlok enmudece de miedo a los lugareños, y las sospechas de Hutter aumentan cuando descubre que el carruaje en el que viaja al castillo no tiene conductor. Orlok ofrece escasa tranquilidad. Se ciñe a horarios extravagantes y encierra bajo llave a Hutter en un torreón. Este, temiendo por su vida y asustado en concreto por la sed de sangre de su secuestrador, escapa y regresa a Bremen, en Alemania, pero Orlok le sigue, con el interés puesto no en Hutter, sino en su inocente esposa, Ellen (Greta Schröder). "Su esposa tiene un hermoso cuello", comenta Orlok a Hutter. Justo cuando su relación con Hutter contribuye a rescatarle de la garras de Orlok, Ellen descubre que solo ella puede atraer a la criatura demoníaca y llevarla a su (permanente) desaparición: ser desintegrado por los rayos del sol naciente.

Con Nosferatu, Murnau creó algunas de las imágenes más duraderas y fascinantes del cine: el conde Orlok reptando por su castillo, proyectando sombras siniestras mientras persigue a Hutter; Orlok levantándose de su ataúd; el conde atrapado por un rayo de sol, encogiéndose de terror antes de desaparecer. También introdujo varios mitos del vampirismo que no solo aparecen en otras películas de Drácula, sino que impregnan asimismo la cultura popular..//GKI

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A su muerte, el viejo campesino Rog, lega su granja a sus dos hijos. Peter, que ama la tierra de sus mayores, y Johannes, que desdeña el campo y, apartándose del amor de la linda María, obtiene un puesto como secretario en la finca del Conde de Rudenberg, donde despierta el interés sentimental de dos mujeres: Helga, segunda esposa del Conde, y Gerda, hija del primer matrimonio de éste.

Tras Nosferatu, Murnau rueda en enero de 1922 Der Brennende Acker (La Tierra en Llamas) que durante años se consideró perdida hasta que apareció una copia nitrato con rótulos en polaco en un estado avanzado de descomposición e incompleta. Sólo pudieron salvarse 850 metros, los únicos que podían verse hasta la aparición, en 1978, de una copia bastante completa y en color en la Cineteca de Milán. También se conserva el guión original y la música de Alexander Schirmann que incluye piezas de Chopin, Beethoven, Listz... El guión es de Thea von Harbou, con la colaboración de Arthur Rosen y Willy Haas, escritor y crítico de "Film Kurier" que desde que vio Der Gang in die Nacht quería conocer a Murnau y trabajar con él.

Der Brennende Acker es un melodrama rural de tensiones familiares por intereses económicos. Es decir, un drama humano, una historia centrada en el trabajo de actores y espacio teatral. Estamos ante un Kammerspiele film.

En estos años el cine avanza muy rápidamente, con constantes descubrimientos que le van alejando del teatro filmado que fue en sus orígenes. Murnau ha aprendido a cerrar los espacios en decorados que van perdiendo su amplitud y disposición teatral y que son diseñados en función de un encuadre concreto, de una impresión visual. Los actores se integran en el decorado en un todo vivo(...) el decorado servirá para potenciar la acción del actor formando con el un cuerpo único. Una imagen total emotiva. Murnau ha aprendido la lección de Grau que diría: "El decorado cinematográfico es mucho más un trabajo de pintor que de arquitecto. El cine es, por encima de todo, impresión visual." //=> Berriatúa, Luciano, Los Proverbios chinos de F.W. Murnau.

"Soy hijo de la Tierra Roja, he nacido en Westfalia.
En cada una de mis películas intento descubrir nuevas tierras.
Mi opinión es que toda película que el director sienta profundamente tendrá fuerza,
y que todo trabajo que no tenga que ver con con la especulación monetaria, tendrá eco en el futuro"
1928. F.W.Murnau.

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Las Finanzas del Gran Duque es uno de los más insólitos films de F.W. Murnau, rodado dos años después de “Nosferatu, el vampiro” e inmediatamente antes de “El último”. Insólito por el hecho de tratarse de una comedia al estilo de las firmadas por Ernst Lubitsch en la misma época y por el hecho de que el guión lo firmó Thea von Harbou (sobre una novela de Frank Heller), esposa de Fritz Lang y autora de “Metrópolis”, “Spione” y “La mujer en la Luna” poco asidua al género. En esta cinta de intrigas ‘palaciegas’ ambientada en el diminuto ducado mediterráneo de Abacco, Murnau se reencontró con Max Schreck, el original Nosferatu convertido aquí en uno de los conspiradores.

Die Finanzen es Grossherzogs es una película que el propio Murnau despreciaba y que realizó con una mentalidad comercial por encargo, dejando muchos elementos creativos en manos de sus colaboradores.

Argumento: El Gran Duque de Albaco, lugar bellísimo de la costa mediterránea, está en una situación muy difícil, porque le abruman las deudas y sus relaciones con los prestamistas son cada vez más enojosas. El poderoso financiero Bekker trata de aprovechar los problemas del Gran Duque para poner en explotación una rica mina de azufre que existe allí. El Gran Duque y sus consejeros y amigos son contrarios a esa explotación, pues desean a todo trance conservar el carácter paradisíaco del pequeño territorio.

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El último de F. W. Murnau sigue siendo un intento impresionante de contar una historia sin el uso de rótulos explicativos (apenas media docena), a los consideraba un recurso excesivamente literario, que ralentizaba el ritmo general de los filmes y restaba expresividad a las imágenes.

El argumento no tiene nada de especial: el conserje de un hotel, humillado por la pérdida de rango cuando es degradado a ayudante de los lavabos debido a su avanzada edad, se hunde. En algunos aspectos, la película no es más que un vehículo para una de las típicas interpretaciones grandilocuentes de Emil Jannings.

No obstante, más allá de esta patética parábola, existe otra más de las elocuentes exploraciones del espacio fílmico de Murnau: la cámara se mueve con sorprendente agilidad, articulando la relación del protagonista con el mundo mientras le sigue por el hotel, las calles de la ciudad y su casa de los suburbios. Parte del trabajo de la cámara es subjetivo, como cuando se distorsiona la óptica para expresar las percepciones del personaje influidas por el alcohol. En otros momentos, la movilidad de la cámara es evocadora, como cuando atraviesa las puertas giratorias que simbolizan el destino. Puede que la técnica deslumbrante sea demasiado majestuosa para la sencilla historia de un anciano, pero no se puede negar el virtuosismo de la puesta en escena de Murnau ni el trabajo con la cámara de Karl Freund.//GA => Geoff Andrew.

Estilísticamente, la película es expresionista: edificios retorcidos, expresiones faciales exageradas...; pero la temática social y los juegos de cámara subjetiva la hacen un tanto inclasificable. Algunos escritores la engloban dentro de un género de corta vida llamado Kammerspiel.

Propone una interesante reflexión sobre una sociedad fascinada por la posición social, el poder y la autoridad. Una sociedad que estaba a punto de ser devorada por esa fascinación. Se dice que el público americano no entendió la película porque un encargado de limpieza ganaba más que un portero. Cuestiones culturales.

Los mandamases de la UFA le instaron "amistosamente" a que cambiase el final... y así lo hizo, dándole el deseado y comercial giro a la historia, pero subrayando con tamaña maestría la absoluta inverosimilitud, que nadie en sus cabales se podría tragar. Demostrando que se pueden esquivar imposiciones y darles la vuelta con un poco (en esto caso, bastante) de talento.

La traducción mas exacta de la expresión alemana 'Der Letzte Mann' sería 'El último mono'

0019 [WIKI info]
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Los aficionados a las anécdotas saben que, si bien muchos libros de historia citan Alas como el primer título que recibió el Oscar a la mejor película, el honor recayó en dos filmes: Alas, de William Wellman, por la «producción», y Amanecer, de F. W. Murnau, por la «producción artística excepcional». Esta última categoría, que suena más impresionante que la primera, explica en parte por qué Amanecer y no Alas sigue siendo una de las películas más reverenciadas de todos los tiempos. Al principio, William Fox atrajo a Murnau a Estados Unidos con la promesa de un gran presupuesto y libertad creativa absoluta, y esta asombrosa obra maestra ratificó la reputación de genio cinematográfico de Murnau.

En sí, Amanecer es de una sencillez engañosa. Subtitulada de una manera algo enigmática "Una canción de dos seres humanos", la película se centra en un matrimonio que vive en el campo y cuya vida se ve alterada por la irrupción de una seductora procedente de la ciudad. No obstante, Murnau extrae oleadas de emoción de lo que habría podido ser un tremebundo melodrama, realzado por una serie de técnicas de filmación sobresalientes. Es muy notable el uso de efectos sonoros, que dio un empujón al cine mudo hacia la era hablada, un logro eclipsado injustamente por El cantor de jazz, estrenada unos meses después. Murnau también manipula con sentido creativo la utilización y el efecto de los rótulos explicativos (tres años antes, había dirigido El último sin rótulos).

El aspecto más sorprendente de Amanecer es el trabajo de cámara. Murnau, que trabajó con dos operadores, Charles Rosher y Karl Struss, aprovechó su propia experiencia en el movimiento expresionista alemán, pero también se inspiró en los retratos pastoriles de los maestros holandeses, en particular de Jan Vermeer. Rodadas con creativos y elegantes movimientos de cámara, acentuados con trucos fotográficos (por ejemplo, exposiciones múltiples), cada escena de Amanecer parece una foto fija magistral.

Por mágicas que sean las imágenes, la misma simplicidad de la historia presta a Amanecer un peso dramático formidable (...). Por desgracia, la película fue un fracaso comercial, y Murnau murió en un accidente de tráfico unos años después. No obstante, Amanecer sigue siendo un hito por el que deberían medirse todas las demás películas, mudas o no, una cumbre artística de una era más primitiva, cuya sofisticación contradice los recursos de su tiempo. Su sombra se proyecta sobre varias obras maestras posteriores, desde el Ciudadano Kane (1941) de Orson Welles, hasta La bella y la bestia (1946) de Jean Cocteau, pero su brillantez es inimitable.//JKl => Joshua Klein.

Se dice que obligaron a George O'Brien a llevar botas de plomo para sentir el peso de la culpa de su personaje.

0032 [WIKI info]
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Documental realizado por Janet Bergstrom en 2003 donde partiendo del guión, intertítulos, bocetos, fotos de escenas del rodaje de la película, e instantáneas de producción; se intenta dar vida a la que probablemente fuera una de las mejores películas de Murnau, tal y como fue concebiba en su primera proyección ante un reducido grupo de espectadores para constatar la aceptación del público.

En este documental se puede apreciar que mantiene la misma calidad de su anterior obra, Amanecer, con una tensión dramática de principio a fin. Un final cambiado en su estreno por motivos de producción, y otro distinto en su reestreno con motivo de la llegada del sonoro, ya que además de incluir nuevas escenas sonorizadas, el estudio aprovechó para introducir cambios en una historia que pretendía edulcorar desvirtuando la idea de Murnau al realizar esta obra maestra perdida. (PRH)

La versión muda se estrenó en Nueva York el 3 de octubre de 1928, y la FOX la volvió a cambiar, esta vez por una película ¡hablada!, la cual se estrenó en Los Angeles el 10 de junio de 1929.

Argumento: Charles, Adolf, Louise y Marion forman el conjunto de trapecistas conocido con el nombre de los cuatro diablos. A parte de su faceta artística, les une la condición de huérfanos y una vinculación amorosa entre Charles y Marion, y Adolf y Louise.

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Primer film sonoro de Murnau. Durante su producción y rodaje (en tierras americanas, donde había realizado ya la obra maestra "Sunrise"), surgieron importantes divergencias del director alemán con el dueño de la Fox, William Fox. La más importante fue la imposición de ser un film hablado (Murnau comenzó la película siendo muda), dado el fulgurante éxito del cine sonoro, así como la incapacidad del estudio por conseguir a la estrella Janet Gaynor (protagonista de "Amanecer"). Murnau, desencantado, decidió una vez acabada la película asociarse con el documentalista Robert J. Flaherty, para rodar "Tabu" sin ningún tipo de imposición de los estudios. "El pan nuestro de cada día" está basada en la obra "The Mad Turtle", de Elliott Lester, y narra la historia de un joven de Minnesota que va a Chicago y se enamora. (FILMAFFINITY)

Pese a que el título que comentamos carece de las ambiciones —en el mejor sentido de la palabra— que fructificaran en la magistral Amanecer (Sunrise: A Son of Two Humans, 1927), es un film excelente, propio de la maestría en el lenguaje cinematográfico que Murnau dominaba como pocos, y al mismo tiempo admirable en el contraste de dos entornos tan contrapuestos como el urbano y el rural, incidiendo en los elementos más alienantes —el de las grandes ciudades— y regresivos —el del campo—, para afirmar una vez más la apuesta por el amor.

Buena parte de los intertítulos son absolutamente innecesarios, puesto que la sabia narrativa de Murnau nos lleva hacia aquello que quiere expresar con la imagen en su lucha constante por lo visual. Una muestra admirable la tenemos en la conversación de los protagonistas en el restaurante —su segundo encuentro—. Apenas hacen falta más que la cuidadosa pero sencilla planificación y la dirección de los actores. La inserción de la defensa de Lem hacia el cliente que se propasa con Katy sirve como referente para proponerla en matrimonio. Los instantes que se suceden se sitúan a mi juicio entre lo más memorable, íntimo y conmovedor legado por el cineasta alemán en toda su trayectoria; mientras el granjero se mantiene inmóvil y transfigurado tras la barra —quizá hasta atormentado, fruto de su educación familiar—, la camarera sigue sirviendo con extraña musicalidad pero sin poder dejar de llorar. Parece que ambos hayan logrado casualmente encontrar aquello que tanto han deseado y no sepan como expresarlo. Esa manifestación de una extraña felicidad, de estar flotando en una nube, que es uno de los rasgos de estilo del maestro alemán. (Juan Carlos Vizcaìno, Miradas de Cine)

Penúltimo título de la filmografía de Murnau, El pan nuestro de cada día (City Girl o Our Daily Bread en su versión sonorizada de 1930) supuso su ruptura con la Fox precisamente por las azarosas circunstancias que concurrieron en la oposición del gran realizador alemán a dicha sonorización. El pan nuestro… sucedió a Los cuatro diablos Four Devils (The Four Devils, 1928), uno de sus títulos lamentablemente perdidos y tras él tan solo rodaría la maravillosa Tabú (Tabu, 1931, en colaboración con Robert J. Flaherty).

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